jueves, 5 de enero de 2017



POR EL PASO DE UN AÑO A OTRO

ROSARIO HERRERA GUIDO

En compañía de Borges
con tren de andar titubeante
mana el misterio del tiempo
y la certeza de la finitud humana
colmados de nostalgia y esperanza.

No hay instante que no se cumpla
cual acto poético
sobre el abismo de un tic-tac
que sustituye un número por otro
cual metáfora de la muerte
que al instante anuncia vida.

El molinete de la Vía Láctea
más que un fin de año
parece presagiar tormenta
convocada por las Trumpetas

de Thanatos disfrazado de Salvador.

La noche expectante
aguarda los diáfanos retintines
entre racimos de uvas
clementes designios y nobles abrazos
para confirmarnos que el prodigio de ser y no ser pende de la virtud de resistir a las miserias del poder y permanecer en la lucha y la memoria colectivas.


ROSARIO HERRERA GUIDO


Doctora en Filosofía por la UNED (Madrid) y doctora en Psicoanálisis por el Centro de Investigaciones y Estudios Psicoanalíticos de México. En la actualidad es profesora de la Universidad de Michoacán, México. Entre sus libros publicados: Freud y la música, Poética del psicoanálisis. Es también autora de numerosos artículos y coautora de libros colectivos. Para más información,










YA EN EDICIÓN NUESTRA PRÓXIMA BIOGRAFÍA, Nº 34

VIDA DE LOU ANDREAS-SALOMÉ 

DE LIDIA ANDINO TRIONE


12-02-1861 / 05-02-1937

Novelista, ensayista, psicoanalista, amiga inspiradora de autores y pensadores como Nietzsche, Rilke y Freud. Lou Andreas-Salomé escribió profusamente sobre crítica literaria, filosofía y psicoanálisis. Por su indiferencia ante las convenciones morales y una curiosidad insaciable, Andreas-Salomé representó un desafío para la sociedad de la época.





¿QUÉ ME PASA?

LIDIA ANDINO TRIONE




"El corazón me late demasiado rápido, creo que me va a
dar un infarto (...) Esta tos que me apareció hace ya unas
semanas, seguro que es un cáncer en el pulmón (...) Voy
a ir al médico, pero no  a ese que no sabe nada y me
quiere convencer. Mejor iré a uno que realmente sepa."


Frases como éstas, donde el temor a enfermar o la certeza de padecer una enfermedad orgánica grave, junto con el hecho de creer firmemente que ningún médico es capaz de diagnosticarla, es lo que se denomina hipocondría.

En general, ninguno de nosotros debería preocuparse en exceso si experimenta lo que se ha dado en llamar una "hipocondría pasajera", sobre todo en estos tiempos turbulentos que nos ha tocado vivir, épocas inestables que hacen tambalear los estados de ánimo, la propia autoestima, los proyectos personales; de ahí que estos desvelos se manifiesten con cierta frecuencia en malestares físicos. También es habitual que nos inquietemos por nuestra salud cardíaca cuando un familiar o amigo sufre un infarto, o cuando frente a un caso de cáncer de piel comencemos a buscar en nuestro cuerpo algún lunar "sospechoso". Son síntomas pasajeros que no merecen, en principio, dedicarles mayor atención.

El problema surge cuando la convicción de una enfermedad somática grave, su presencia inminente y sus consecuencias ineludibles, dificultan la vida familiar y laboral,  perturbando  el entorno social a tal punto que quien dice padecerla, llega a hacer de la preocupación por el organismo el eje de su vida.

Son pacientes que suelen recorrer consulta tras consulta recibiendo siempre el mismo veredicto médico: todas las pruebas diagnósticas han dado bien, no tiene por qué preocuparse. Y, sin embargo, eso no los calma pues la inquietud persiste a pesar de las evaluaciones y palabras tranquilizadoras. Lo frecuente es que vuelvan reiteradas veces al mismo especialista y luego pidan otra, otra y otra opinión. Hay varios chistes que circulan en los medios de comunicación donde muestran que dicha insistencia, termina siendo mal tolerada por los  profesionales quienes, al escucharle decir que se irán a otro médico para ver si acierta, acaban pensando: "al fin me lo quito de encima". Pero lo cierto es que la medicina tampoco cuenta con instrumentos eficaces para tratar estos casos.

Si el hipocondríaco se siente enfermo,  algo le pasa. Aún cuando la enfermedad  es imaginaria  no finge sus síntomas, el sufrimiento es real; de hecho son personas que llegan realmente a sentirse muy mal. Un temor por la propia salud que se diferencia de los casos de neurosis de angustia en que la preocupación siempre es por la salud ajena.

Existen en la cultura numerosos ejemplos ficticios y reales de esta sintomatología. ¡Con cuánto acierto describió Molière, los mil pesares del enfermo imaginario!, o como el poeta Carlos Barral lo describe en sus versos:  

El miedo, tan extraño,
decrépito, infantil, peor que lo temido.

Y esa es la enfermedad misma, el temor.

Usted sabe que sólo se muere una vez, pero los hipocondríacos se sienten morir todos días.

  Lidia Andino Trione, psicoanalista. 










El editor de libros nos cuenta la relación, primero profesional y después de  profunda amistad, de Maxwell Perkins, unos de los más grandes editores de la literatura Norteamérica,  y el escritor Tom Wolfe.

Es una película correctamente contada y maravillosamente fotografiada. Y poco más. Desaprovecha de una manera lamentable toda la riqueza que se le podría haber sacado a dos caracteres tan contrapuestos  y dos modos de vida  tan alejados  como los del minucioso Maxwell Perkins (interpretado correctamente por Colin Firth ) y el atormentado escritor Tom Wolfe (interpretada por un histriónico Jude Law).

Se podría haber ahondado en el sentimiento de una amistad entrañable y auténtica  que parece que existió entre el editor y el escritor. Se podría haber alejado de los tópicos del escritor maldito y haber acercado al publico los entresijos de la edición de libros del que fue editor de las obras  Hemingway  y Scott  Fitzgerald ,  que a aparecen brevemente en pantalla. Se podría haber perfilado más la relación que Wolf tiene con su amante, una mujer neurótica, interpretada por una Kid  Kiman errática. Se podría…,   pero no se hizo nada para dotarla de  nervio creativo y hondura dramática y  el resultado es una película  olvidable y superficial.

En esta película huera,  un histriónico y pasado de rosca Jude Law da vida a un insoportable Thomas Wolfe recurriendo  a todos los tópicos de la escritura como forma totalizadora de entender la  vida.  Las relaciones de los personajes se nos antojan superficiales y nada significativas por más que las palabras nos digan otra cosa. Película decepcionante, sobre todo, porque se ven en ella grandes posibilidades desaprovechadas. Una pena. Se tiene la sensación que se nos ha dejado con la miel en los labios.

Isabel Bandrés









"Cruzo trillones de moléculas
que se apartan para dejarme pasar,
pero a ambos lados, más trillones
se quedan donde están".

Este pequeño poema lo compone y recita Paterson mientras conduce, como cada día, un viejo y destartalado autobús de viajeros por la ciudad de su mismo nombre.

La película del director Jim Jarmusch nos muestra, durante una semana, la vida cotidiana de un humilde conductor de autobús que escribe poesía sobre las pequeñas cosas de la vida. Aparentemente, pasar, lo que se dice pasar, no pasa nada. Lunes, martes, miércoles… Paterson sigue el mismo horario y hace las mismas cosas: se levanta temprano, desayuna cereales, habla con su compañero de trabajo, vuelve a casa, pasea a su perro Marvin, toma una cerveza en el mismo bar. Sin embargo, cada día hay una pincelada diferente, una vuelta de tuerca sabiamente ejecutada que nos habla de quien es Paterson, de la creatividad del ser humano, del valor de las cosas cotidianas, de la humildad, de la felicidad encontrada en donde realmente sólo se puede encontrar, en las cosas sencillas de la vida. Ese personaje, que puede parecer un soseras de pocas palabras, nos roba el corazón en el primer fotograma. Este hombre sencillo (magníficamente interpretado por Adam Drive), que huye de la tecnología porque desea estar en contacto directo con la vida y los seres humanos, tiene un cuaderno secreto que lleva con él para escribir poesía sobre todo aquello que se le ocurre. La suya es una poesía de lo cotidiano que nos recuerda a los haikus japoneses. Pero además, este personaje singular, ejerce la bonhomía con todos los que le rodean. Sin ponerse campanudo, algo tan típico en estos tiempos, ni dar lecciones de nada, nos muestra una vida rica y profunda que nace de su interior y de su forma de mirar el mundo.

Paterson tiene junto a él a Laura, nombre que coincide con el de la amada de Petrarca, a la que ama. Este personaje, al que da vida la actriz de origen iraní Golfshiteh Farahani de manera muy loable, hace de su contrapunto. Es una vitalista que está entusiasmada con hacerse cantante country y, al mismo tiempo, aspira a poner un negocio de cupcakes. Su creatividad la llevará a pintar, cocinar, soñar… Es una bocanada de aire fresco, que hace que Paterson diga cuando la ve dormir: "Si alguna vez me dejas/ lloraré por mi corazón arrancado/ y nunca lo podre sanar".  

Hay un personaje que no podemos olvidar, Marvin, el buldog de la pareja, con quien Paterson tiene una relación tensa y que protagoniza escenas de un humor parco y efectivo.

Jarmusch ha sabido poner en imágenes el proceso creativo de un poeta de una manera sobria y encantadora, haciendo que cada plano sea un poema. Logra que la poesía no sólo sea la vocación del protagonista sino la razón de ser de la película. Admirador del cine y la cultura japonesa, consigue crear una atmósfera minimalista y hermosa en su austeridad que nos irá envolviendo de una manera sutil. La auténtica protagonista de la  película es la poesía y la fascinación que ejerce sobre los seres humanos por su capacidad de sublimar la vida cotidiana. Paterson ama la vida y porque la ama le pone poesía. Poesías sencillas y sin rima que escribió para esta película Ron Padgett, poeta de la escuela de Nueva York, al que Jarmusch admira. Ese tipo de poesía que hace que lo cotidiano y repetitivo deje de ser aburrido para ser visto cada amanecer con los ojos de quien ve por primera vez la vida.

Esta película nos seduce por su sencillez y nos llega al corazón. Despierta en nosotros una sonrisa interior que perdura mientras la recordamos. Quizá sea porque Paterson es como un buen amigo lleno de sentido común y bondad al que nos gustaría tener cerca.

Yo les recomendaría que fuesen a verla, pero no se lo recomendaría a todos. Hay muchos que se aburrirán porque no es una película al uso de las que estamos acostumbrados hoy en día: no hay violencia, ni sexo, ni efectos especiales, ni tramas enrevesadas. Yo la he disfrutado y  sé que no la voy a olvidar.
            Isabel Bandrés

 










Esta película, basada en un guión de Paul Laverty y dirigida por Loach, ha conseguido la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes de 2016, aunque ha tenido críticas dispares.

El guión sigue las peripecias de Daniel Blake (un ciudadano modélico, humilde, viudo tras años de cuidar a su esposa, carpintero de profesión y de vocación) que tiene la desgracia de enfermar del corazón y ser incapacitado por los médicos para trabajar. Daniel comienza a hacer el papeleo para poder cobrar su pensión de invalidez y es entonces cuando entra en un mundo surrealista, en el que la burocracia del Estado funciona fuera de toda lógica. Una maraña de normas y obligaciones administrativas absurdas y contradictorias dejarán a Daniel indefenso. Se ve obligado a buscar un trabajo que no puede ejercer por prescripción médica, tiene que asistir a cursos para ocupar puestos de trabajo inexistentes, se ve forzado hablar a teléfonos de atención sin que jamás le responda una voz humana y es apremiado a que rellene por internet cuestionarios cuando desconoce el sistema. Los medios de comunicación modernos son utilizados aquí para la incomunicación más absoluta. El Estado, utilizando como avanzadilla a sus burócratas, ejerce un papel perverso: culpabilizar a las víctimas de sus adversidades y, de paso, procurar que no puedan ejercitar sus derechos legítimamente adquiridos. La película nos recuerda El Proceso de Kafka donde Josef K, al igual que Daniel Blake, sufre la agobiante y asfixiante  situación de una maquinaria burocrática que poco a poco se apodera de su vida. Aunque Loach no posee la profundidad y originalidad del escritor checo.       
         
La historia de Daniel no ocurre en el tercer mundo, sucede en un barrio obrero de Newcastle, muy cerca de la frontera con Gales. Realmente, puede ocurrir y de hecho ocurre, en cualquier barrio del mundo occidental. La televisión y la prensa nos informan cada día de casos similares, incluso mucho más sangrantes. Laverty y Loach no se inventan nada, ejercen de notarios de una realidad social alarmante: la expulsión social del sistema de gente honrada. Y contra ese estado de cosas ¿qué se puede hacer? Quizá reivindicar el ejercicio de nuestra humanidad. El protagonista, en un arranque épico pinta en una fachada: “Soy Daniel Blake y soy un ser humano”. Pero no sólo lo escribe sino que ejerce de ser humano con  una madre soltera de dos hijos, con sus vecinos, con sus compañeros y no dejándose intimidar en el ejercicio de sus derechos.

La película  ha tenido críticas desiguales y ha sido acusada, por las menos benevolentes, de panfletaria. Hay que admitir que existe en Loach una tendencia al panfleto y que carga las tintas en un par de ocasiones sin necesidad. Pero las cualidades de esta película son tantas que se le puede perdonar. El humanismo y la empatía que despiertan en nosotros sus personajes superan con mucho los defectos que pueda tener. Nos hacen sentir emoción, simpatía, rabia, solidaridad y, de alguna manera, no podemos evitar hacer nuestras las desdichas de los personajes. Yo diría que el humanismo que destila supera en mucho el slogan de pancarta que indudablemente tiene.

Un buen guión aunque con algunos defectillos, unos buenos diálogos y unos actores estupendos y emocionantes. Yo les aconsejaría que fuesen a verla y se dejasen llevar. Eso sí, si son almas sensibles llévense un paquete de clínex. Lo necesitarán.
            Isabel Bandrés.

 







MUJERES CIENTÍFICAS






ELEANOR FRANCIS HELIN, ASTRÓNOMA



Eleanor Francis Glo Helin (19 de noviembre de 1932 / 25 de enero de 2009) fue una astrónoma estadounidense que organizó y coordinó el International Near-Earth Asteroid Survey (INAS) durante los años 1980. Principal investigadora del programa Near Earth Asteroid Tracking (NEAT), y el Jet Propulsion Laboratory de la NASA.
Descubrió unos 872 asteroides, incluyendo los dos primeros asteroides Atón: (2062) Atón y (2100) Ra-Shalom. También descubrió los asteroides Apolo (4660) Nereus y (4769) Castalia y los asteroides Amor (3240) Laocoon y (9969) Braille.
Falleció a los 76 años de edad.

 



OS RECORDAMOS QUE TAMBIÉN TENEMOS CIENTÍFICAS 

ENTRE LOS TÍTULOS DE NUESTRA COLECCIÓN 

DE BIOGRAFÍA DE MUJERES











lunes, 12 de diciembre de 2016














COMIDA AMMU DE NAVIDAD




La Gamella, 14:00 H











COMENTAREMOS EL LIBRO



La gran familia del Kibutz todo lo escucha, todo lo observa. No hay relación o roce humano que escape al escrutinio moral del grupo. Y menos aún el amorío de una adolescente con un hombre mayor y un embarazo no deseado. Porque en Metzudat Ram, el kibutz en el que transcurre Quiza en otro lugar todo se comparte: la crianza de los niños, las comidas, los trabajos y también la evaluación de las conductas. Esa intimidad, a ratos reconfortante y a menudo asfixiante, que impregna la vida del kibutz, es la que retrata el escritor israelí. “Juzgamos a nuestro prójimo día y noche […] no hay debilidad que pueda escapar aquí por mucho tiempo a los juicios de valor”, escribe Oz.

Los que todo lo comparten son los kibuztniks que pusieron en pie un país en construcción y que hicieron florecer el desierto como ordenaba Ben Gurión, el padre fundador del Estado judío. Eran hombres y mujeres con biografías intensas, que llegaban de Europa con la mochila cargada de traumas, dispuestos a empezar de cero. Fuertes y sudorosos, embriagados por sus ideales. Judíos diaspóricos, como los llama Oz, que leen a Hegel y Proudhon por la noche y conducen un tractor durante el día. Esos personajes únicos son los que deambulan por esta suerte de culebrón socialista en tiempos de guerra. Juntos, forman una postal casi perfecta de lo que fue la vida en la utopía israelí, como también lo fue en versión género negro el entretenidísimo Asesinato en el Kibutzde Batya Gur. Son novelas que huelen a trigo y a gasoil, en las que se vive una vida premeditadamente sencilla y rural y que al leerlas resulta inevitable preguntarse por las supuestas grandes ventajas del individualismo nuestro.

Quizás en otro lugar se publica ahora en castellano, pero el joven Oz la escribió en 1966. No había cumplido los 30 años y la ensoñación colectivista se encontraba en plena ebullición. Él mismo pasó parte de su juventud en un kibutz, al que llegó por su propio pie, siendo un adolescente idealista. Metzudat Ram es un lugar inventado, pero el detalle, las sutilezas y la ironía con la que Oz relata la vida del kibutz indican que en esta novela hay mucho de la propia vida del consagrado escritor israelí.

Leer ahora Quizás… resulta muy esclarecedor. Ayuda a comprender el germen del proyecto sionista y el modelo de sociedad laica e igualitaria que quisieron labrar los pioneros y que tan poco se parece al Israel de hoy. Medio siglo después de que Oz se sentara a escribir su novela, algunos de los dilemas sobre los que escribe –la marcha del hijo a la guerra, o la lucha de los israelíes por una cotidianeidad, forzadamente ajena al enquistado conflicto con los palestinos- siguen ahí. El país sin embargo, no puede ser más diferente. El capitalismo derribó sin miramientos los cimientos socialistas del Estado y dio pie a un vibrante desarrollo tecnológico, peto también a una desigualdad rampante que corroe el país. La colonización de los territorios palestinos hace que se evapore la viabilidad de un Estado palestino viable y ha envenenado y dividido a la propia sociedad israelí. Mientras, las corrientes más extremistas del judaísmo avanzan sin freno. Si los habitantes de Metzudat Ram aterrizaran hoy en Israel, probablemente no lo reconocerían.

Son 400 páginas, en las que las altas dosis de cotidianeidad ajena, en las que pasa más bien poco, pueden llegar a cansar. Pero si uno decide no pedirle demasiada agilidad a la novela y se permite vagar sin prisa por los campos del kibutz, Oz resulta ser un guía estupendo.
Ana Carbajosa




Descendiente de una familia de emigrantes rusos y polacos. Hijo de Yehuda Arie Klausner y de Fania Mussman (que se suicidó cuando él tenía 12 años). Sus padres huyeron en 1917 de Odesa a Vilna, y de allí al Mandato Británico de Palestina en 1933.

En 1954, Oz entró en el kibutz Julda. Desde entonces se le conoce por su nombre actual. Mientras estudiaba Literatura y Filosofía en la Universidad Hebrea de Jerusalén, entre 1960 y 1963, publicó sus primeros cuentos cortos. Estudió también en la Universidad de Oxford. Desde 1991 es miembro de la Academia del Idioma Hebreo.

Participó en la Guerra de los Seis Días y en la Guerra de Yom Kipur y fundó en los 70, junto a otros, el movimiento pacifista Shalom Ajshav ("Paz Ahora").

Ha escrito 18 libros en hebreo y alrededor de 450 artículos y ensayos. Sus obras han sido traducidas a más de treinta lenguas, entre ellas el español.

En su libro Las voces de Israel, se encuentra una entrevista de un extremista de derecha israelí que varios autores como Israel Shamir han relacionado con Ariel Sharón. Según el periódico francés Le Monde Diplomatique, la entrevista no sería de Sharon. 

Oz es uno de los intelectules más eminentes de la izquierda israelí y pronuncia sus opiniones contra los asentamientos israelíes en los territorios palestinos, tal como sus opiniones social demócratas y pacifistas en varios periódicos israelíes como Ha'aretz y Yedioth Ahronoth. Es un miembro del partido social demócrata pacifista Meretz. Condenó algunas operaciones de las Fuerzas de Defensa Israelíes durante el Conflicto de la Franja de Gaza de 2008-2009 y las llamó crímenes de guerra. En 2015 afirmó que la supervivencia del Estado de Israel requiere de la creación de un Estado Palestino independiente y que la coexistencia de ambos Estados es el camino hacia la paz en la región. 







EXPOSICIÓN DE CLARA PEETERS EN EL PRADO

A. Pilar Rubio López




El Museo del Prado reúne en estos días una antológica de Clara Peeters, la pintora flamenca pionera de la naturaleza muerta. Un honor merecido por la calidad de su obra y por ser una mujer valiente que decidió ejercer una actividad artística profesional a comienzos del siglo XVII. El Prado –en colaboración con el Gobierno de Flandes y con el Museo Real de Amberes ha conseguido rasgar el velo de silencio que tejió la Historia alrededor de la vida y de la obra de una mujer adelantada a su tiempo y eclipsada por sus contemporáneos, como Van Dyck, Rubens o Brueghel el Viejo.

La muestra es relevante pues es la primera exposición temporal del museo dedicada a una mujer artista. Aunque es preciso aclarar que la historia de exposiciones temporales en el Prado es relativamente reciente pues sus organizadores y comisarios nos informan que se viene haciendo periódicamente desde hace 20 años.

De los 15 cuadros expuestos en la muestra, cuatro pertenecen a la colección permanente del Prado (Bodegón con flores..., Mesa con mantel... y salero, Bodegón con pescado... y Bodegón con avilán..., siendo uno de ellos documentado en 1746 en el Real Sitio de la Granja de San Ildefonso, incluido en la colección de Isabel de Farnesio. Los demás proceden de instituciones del Norte de Europa, Estados Unidos, Inglaterra y colecciones particulares.

Aunque conocemos pocos datos de la vida de Clara Peeters, los expertos en su biografía señalan que la pintora nació en Amberes en torno a 1588-1590 y coinciden en que su vida activa se fecha entre los años 1607 y 1621. Es evidente que en un periodo activo tan reducido su obra necesariamente ha de ser escasa: la catalogación de sus pinturas no sobrepasa el número de 40. Este dato nos remite al pintor Vermeer quien, al morir joven, dejó un mínimo legado a la Historia del Arte aunque excepcional por su calidad artística.

Pero al contrario que Vermeer, está documentado que Peeters vivió de la pintura y no murió pobre ni endeudada como él. Además, parece que Clara tuvo su propio taller. Sin duda, la exposición dará pie a seguir investigando y no es de extrañar que el estudio arroje luz sobre nuevas catalogaciones.
¿Por qué se orientó Clara Peeters por el bodegón? Quizá Clara no sintiese especial interés por la naturaleza muerta. Pero no tenía otra alternativa: las mujeres tenían vedado el acceso a los talleres donde se estudiaba anatomía y se hacían dibujos de modelos al natural. Por eso, no podían dedicarse como los hombres a la pintura de historia, religiosa o de desnudo.

Descartado el gran género, solo quedaba una opción: dedicarse a los géneros menores, entre los que estaba el bodegón. Por tanto, Peeters buscó en el realismo del bodegón la oposición al idealismo
del Renacimiento que practicaron sus contemporáneos. Además, Clara hizo su propia revolución y con su espíritu innovador se situó en la vanguardia del arte: fue mujer pionera de la naturaleza muerta -Caravaggio se había anticipado unos años antes con su Cesto con frutas-; incluso se atrevió a dibujar piezas de pescado -considerado vulgar- en sus bodegones.

Clara tuvo un gran éxito pues captó los intereses y las costumbres de la burguesía y de la aristocracia de su época y por ello incluyó en sus obras halcones y gavilanes, símbolo de la cetrería asociado a nobles y reyes; alimentos apetitosos -que también tenían un sentido comercial- en mesas dotadas de una gran suntuosidad; y también dibujó objetos que eran del agrado de sus compradores, de plata y de porcelana, piezas de coleccionismo y del gusto renacentista heredado por la élite europea…Oposición al Renacimiento, sí, sobre todo en el estilo, pero sin ignorar todo su legado, como el estudio de la naturaleza o el detalle de “firmar” con autorretratos en vasijas y objetos de sus bodegones, haciendo un guiño al espectador para que busque la efigie de su autora, como hicieron sus predecesores Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli y el propio Miguel Ángel.

Los autorretratos de Clara en sus obras simbolizan la utoafirmación de una mujer que quiso poner su sello personal en un campo dominado por hombres. Y, al mismo tiempo, crean una sensación de ilusionismo pues parece que estamos viendo en un espejo el trabajo que realiza la autora en ese momento. También Velázquez, diez años mayor que Clara, se autorretrató en Las meninas.

Dentro de la sala, los paneles oscuros constrastan con el colorido de los bodegones, dando la sensación de que el espectador entra en un teatro cuando se apagan las luces y los focos iluminan el escenario. Por un momento nos convertimos en detectives resueltos a descubrir el enigma: la huella que delata la presencia de la autora. Busquemos, pues, el rostro de Clara Peeters en sus obras, imposible sustraerse a este juego de magia. Y, al hacerlo, traeremos al presente su memoria.

A. Pilar Rubio López




Posible autorretrato de Clara Peeters


La exposición se exhibe en la sala D del Museo del Prado.
Edificio de los Jerónimos.
Finaliza el 19 de febrero.











LA OMNIPOTENCIA ES CIEGA

Lidia Andino Trione, psicoanalista


En el seno de los más diversos grupos sociales observamos a personas cuya altanería desprende un sentimiento de desprecio hacia los semejantes. En realidad, se podría decir que encubren un amor desmedido por sí mismos, un lugar solitario e inseguro donde sólo se encuentran los brazos de mamá, con la ilusoria sensación de ser algo especial y único, como tal vez lo fueron para ella siendo niños.

Apoltronados en esa posición suelen decir: "es que soy la leche", o "si no lo hago yo, nadie lo hace bien", en ese falso mar de grandeza -mirando por encima del hombro- lo que ignoran es que además de nosotros hay otros con nosotros, ni inferiores, ni superiores, no siendo necesario mirar desde "arriba" si tenemos en cuenta que todos vivimos en el mismo planeta. 

El modo en que se inicia esa omnipotencia nos es conocido, en una edad muy temprana es tan normal que se la considera una gracia del niño; con el correr del tiempo el pequeño admite renunciar parcialmente a esa omnipotencia y crea lo que se llama el ideal del yo. En ese ideal almacena las grandezas de aquella etapa anterior y con ellas seguirá soñando: la meta de adulto es alcanzar ese ideal. Tal propósito es para todos de por sí inalcanzable, pero en ese intento transcurre nuestra vida. Pasar de la satisfacción a la insatisfacción es entonces algo vital, primitivo, a lo que nos hemos acostumbrado desde que nacimos, por lo tanto la mera y continua satisfacción no es el ideal de un humano parlante. 

En su mundo imaginario el soberbio cree que lo ha alcanzado: él es su propio ideal; hasta que la decadencia, el agobio de sobrellevar la vida como si fuera un éxito del Yo, empieza a redefinir esa realidad alterada. Es la hora del "ídolo con pies de barro", la caída del monumento de sí mismo sin encontrar (y ese es su drama) algo que sirva para continuar.
Aunque pueda atenuar ciertos estados depresivos no hay medicamento que lo cure, porque cuando su efecto cesa, seguirá sin conocer su sentido, o sin hacer aquello que se necesita para buscarlo.

Es un trastorno producido en una compleja trama de palabras y silencios que componen la vida del sujeto y, por lo tanto, es con la mediación de la palabra donde se puede decodificar "lo que no marcha bien", así las frases que pronuncie puedan unirse a otras frases y en esa articulación, no necesite mantener su pesar.  



                                                                                                             Lidia Andino Trione







PREMIO EMAKUNDE 2016

MARTA MACHO STADLER, DOCTORA EN MATEMÁTICAS


Marta Macho Stadler


El Premio Emakunde a la Igualdad ha recaído, en su edición de 2016, en la doctora en matemáticas, profesora de la UPV/EHUy responsable del blog 'Mujeres con ciencia', Marta Macho Stadler, por su trayectoria científica orientada a divulgar y promover el acercamiento de la matemática y del conocimiento científico a las mujeres, así como por hacer visible y reivindicar a las mujeres científicas y sus aportaciones tanto a la Academia como al progreso social.

El jurado destaca, asimismo, sus esfuerzos por aplicar la perspectiva de género en la formación matemática y su participación en comisiones científicas y académicas para promover la igualdad de mujeres y hombres en la propia universidad. En este sentido, destaca su labor en la Comisión para la Igualdad de la UPV/EHU y la edición del blog "Mujeres con ciencia" promovido por la Cátedra de Cultura Científica de la UPV/EHU, que aborda la temática género y ciencia visibilizando a mujeres científicas.

Con este premio, el jurado quiere hacer extensivo el reconocimiento a "muchas personas docentes que, en todos los niveles educativos, se esfuerzan por apoyar el empoderamiento de las niñas y jóvenes que quieren encauzar sus estudios en las ramas científico-tecnológicas".

Al mismo tiempo, quiere "llamar la atención sobre la necesidad de intervenir no sólo para que aumente la presencia y el reconocimiento de las mujeres científicas, sino también para reivindicar que tanto la academia como las empresas y el resto de agentes del sistema científico tecnológico se adecúen para propiciar sociedades más inclusivas e igualitarias", según ha informado Emakunde.

Finalidad del premio
La finalidad del Premio Emakunde es reconocer públicamente la actuación de aquellas personas físicas o jurídicas, públicas o privadas que se hayan distinguido por su labor en el ámbito de la igualdad de mujeres y hombres, realizando acciones, trabajos o proyectos que hayan supuesto la mejora de aspectos significativos en el reconocimiento del trabajo de las mujeres y de su empoderamiento o contribuyan con su trayectoria de manera destacada a la valoración y dignificación del papel de la mujer, o en la promoción de la igualdad de derechos y oportunidades entre sexos en Euskal Herria. El premio tiene una dotación bruta de 14.400 euros.